Enjoy a phantastic concert with the norwegian musician/composer Christian Wallumrød
Christian Wallumrød has worked as a musician and composer since 1992, and he is considered one of the most prominent and influential musicians of his generation in Norway.
Dates:
Sunday, 14.05.2023 in Bern (PROGR)
Monday, 15.05.2023 in Zurich (MOODS)
Cette année, l’OHGe retrouve Juan Crespillo pour vous narrer les aventures de Peer Gynt avec la musique originale d’Edvard Grieg.
C’est en 1867 que l’auteur norvégien Henrik Ibsen écrit son drame poétique Peer Gynt. En 1874, il formule le souhait de le porter à la scène sous la forme d’une pièce en musique. Impressionné par le talent de Edvard Grieg qu’il a eu l’occasion de côtoyer à Rome quelques années plus tôt, l’écrivain propose alors au compositeur norvégien de mettre en musique son drame. Grieg accepte aussitôt. Ibsen lui fournit quelques indications sur la manière dont il envisage lui-même le matériau musical mais s’en remet entièrement au jugement du compositeur et lui laisse totale liberté quant à la réalisation du projet. Il lui fait parvenir un manuscrit de sa pièce arrangée pour la scène, dont le texte sera tantôt déclamé, tantôt scandé ou chanté.
Grieg avance lentement sur la partition, dont l’écriture s’avère plus difficile que prévu. Il achève malgré tout la partition en juillet 1875, et les répétitions commencent en septembre. Préoccupé par le décès de ses deux parents en l’espace d’un mois seulement, Grieg ne vient pas à Oslo pour superviser les répétitions, ni même pour la première représentation de la pièce le 24 février 1876. L’œuvre est un réel succès et sera donnée 36 fois au cours du printemps de la même année.
Après le succès retentissant de Peer Gynt sur scène, de nombreux arrangements pour piano de la partition voient le jour, destinés à être joués dans les salons. À l’occasion d’une reprise de la pièce à Copenhague en 1886, Grieg revoit certaines parties orchestrales et ajoute quatre nouvelles pièces (Procession de Noces op. 19 n° 2, et trois de ses Danses norvégiennes op. 35). En 1892, alors que Peer Gynt est rejoué pour la première fois à Oslo, le compositeur accepte d’ajouter encore une pièce supplémentaire. Mais surtout, Grieg a l’idée de réunir certains numéros en deux suites : la Suite n° 1 op. 46 (1888) puis la Suite n° 2 op. 55 (1891). Ces suites vont connaître un immense succès dans le monde entier, aussi bien dans leur version orchestrale que dans leur arrangement pour piano (réalisé par Grieg lui-même) ou pour d’autres formations instrumentales diverses et variées.
L’OHGe ne jouera pas l’intégralité de la musique de scène de Peer Gynt, mais de larges extraits qui viendront ponctuer le récit de Juan Crespillo.
Maxim Vengerov, Truls Mørk et Simon Trpceski interprètent Chostakovitch, Prokofiev et Tchaïkovski, un concert à découvrir le 30 mai 2023 au Victoria Hall, Genève.
Après le merveilleux concert avec les Cameristi della Scala et les jeunes musiciens genevois, durant la saison 2021-22, nous avons cherché à élaborer un programme inédit avec Maxim Vengerov.
Ainsi, pour la première fois à Genève, le public pourra l’écouter dans un programme de musique de chambre, en compagnie du grand violoncelliste norvégiens Truls Mørk et du pianiste macédonien Simon Trpceski.
Au programme, un duo piano-violon, un duo piano-violoncelle et un trio piano-violon-violoncelle. Les artistes étudient les options d’œuvres qu’ils aimeraient vous inviter à écouter ensemble. Ils nous ouvriront la porte de leur chambre pour un concert aux teintes intimistes faisant résonner la chaleur de la belle salle du Victoria Hall.
Universellement salué comme l’un des meilleurs musiciens au monde et souvent considéré comme le plus grand violoniste vivant, Maxim Vengerov, lauréat d’un Grammy Award. Parmi les nombreux prix qui lui ont été décernés, il a reçu le prix Crystal du Forum économique mondial (2007) – honorant les artistes qui ont utilisé leur art pour améliorer l’état du monde.
Simon Trpceski a été propulsé sur le devant de la scène internationale par le BBC New Generation Artists en 2001. Depuis, il se produit avec les plus grands orchestres, sur les principales scènes musicales et en compagnie des artistes les plus fameux.
Un des violoncellistes les plus réputés de sa génération, jouant aux côtés des plus grands orchestres et avec les artistes les plus représentatifs de notre époque, Truls Mork est un fervent défenseur de la musique de chambre, c’est-à-dire, de faire de la musique ensemble.
Programme:
Dimitri Chostakovitch, Sonate pour violoncelle et piano ré mineur, op. 40
Serge Prokofiev Sonate pour violon et piano no 1 en fa mineur opus 80
Entracte
Piotr I. Tchaïkovski Trio en la mineur, op. 50
Maxim Vengerov, violon – Truls Mørk, violoncelle – Simon Trpceski, piano
«Phantasmagoria or A Different Kind of Journey»
So viel Gitarre war lange nicht. Eivind Aarset ist bekannt dafür, sein Instrument bis zur Unkenntlichkeit zu filtern und zu verfremden. Auf «Phantasmagoria or A Different Kind of Journey» lässt der norwegische Avantgarde-Musiker erstmals seit Jahren wieder einen klaren E-Gitarren- Sound durchscheinen.
Aarset ist seit langem einer der wichtigsten skandinavischen Jazz/Avantgarde-Künstler. Schon sein Debütalbum «Electronique Noire» wurde von der New York Times als «eines der besten Electric Jazz- Alben nach Miles Davis» gefeiert. Fast 25 Jahre später nimmt uns der 1961 geborene Musiker auf eine ganz neue «Journey» – eine Reise in das eigene Bewusstsein, die am japanisch-buddhistischen Fluss der Unterwelt, dem Sanzu River, endet.
Die fantastische Reise, die im Titel von Aarsets neuntem Bandleader-Album steht, beginnt mit einem Rauschzustand: «Intoxication» verführt mit träumerischer Ambient-Stimmung und einem hochsommerlich schweren Backbeat, ehe Aarsets Gitarre wie ein Gewitter über den Hörer hereinbricht. Das sich von einer leisen Bossa/Folk-Ballade zu einem Quasi-Krautrock-Tune steigernde «Pearl Hunter» ist ebenso typisch für den unberechenbar abenteuerlustigen Gitarristen Aarset wie das post-punkige „Outbound“, das cineastisch anmutende «Soft Grey Ghosts» oder die spacige Sanftheit von «Light on Sanzu River».
Das herrlich träumerische „Manta Ray“ transportiert den Hörer in tropische Unterwasser-Gefilde – der Song entstand aus einem gemeinsamen Jam des Eivind Aarset 4tet mit Trompeter Arve Henriksen. Das Quartett besteht aus alten Bekannten, mit denen der Gitarrist seit Jahrzehnten arbeitet. Neben Bassist Audun Erlien sind mit Wetle Holte und Erland Dahlen gleich zwei Drummer, die sich obendrein an Metallophon, Vibraphon und Percussion austoben.
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Le Norvégien Eivind Aarset met la guitare dans tous ses états. Connu pour sa maîtrise des effets et des filtres, il transforme son instrument en générateur de sons inouïs. Pourtant, sur «Phantasmagoria or A Different Kind of Journey», son dernier album en date, notre alchimiste avant-gardiste fait aussi entendre, pour la première fois depuis longtemps, une guitare électrique non traitée au son cristallin.
Né en 1961, Aarset est depuis des années l’un des musiciens de jazz contemporain les plus emblématiques de la scène scandinave. C’est ainsi que son premier disque, intitulé «Electronique Noire», avait en son temps été considéré comme «l’un des meilleurs albums d’electric jazz depuis Miles Davis» par le New York Times. Aujourd’hui, presque un quart de siècle plus tard, il nous propose un nouveau voyage au plus profond de notre conscience, un périple qui se termine sur les bords de la rivière Sanzu, que doivent traverser les âmes mortes dans la tradition bouddhiste japonaise.
Ce voyage fantastique, qui donne son titre au neuvième album d’Aarset en tant que leader, débute par un état d’ivresse. «Intoxication» nous plonge en effet dans une atmosphère onirique, structurée par un beat lourd et chaud, jusqu’à ce que la guitare d’Aarset déchire le ciel comme un orage d’été. Les autres titres illustrent eux aussi la soif d’aventure et l’ouverture d’esprit d’Aarset. «Pearl Hunter» métamorphose progressivement une jolie ballade bossa/folk en morceau de krautrock, «Outbound» se distingue par des accents post-punk, «Soft Grey Ghosts» rappelle une musique de film, «Light on Sanzu River» nous immerge dans une douceur interstellaire, tandis que «Manta Ray», un titre qui est né d’une jam session avec le trompettiste Arve Henriksen, nous invite à découvrir les beautés du monde subaquatique tropical.
L’Eivind Aarset 4tet regroupe des musiciens avec lesquels il travaille depuis des décennies. Outre le bassiste Audun Erlien, il compte non pas un, mais deux batteurs de premier plan, à savoir Wetle Holte et Erland Dahlen, qui jouent aussi divers métallophones, vibraphones et instruments de percussion.
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Eivind Aarset – guitar
Audun Erlien – electric bass
Erland Dahlen – drums
Wetle Holte – drums
PERFORMERS
Important: the event planned for 11/15/21 8:00 PM o’clock in GENÈVE has been rescheduled to the 1/20/23 at 8:00 PM o’clock.
Wardruna is headlining a concert tour that will take place in exceptional venues across Europe to accompany the release of the new album “Kvitravn”. Unique date in Switzerland at the Théâtre du Léman in Geneva on November 15, 2021.
Wardruna’s new album “Kvitravn” (White Raven) continues musically where the “Runaljod” trilogy stopped, but it marks a clear evolution in the band’s sound. The album presents a wide selection of traditional and historical instruments such as Kravik lyre, Trossingen lyre, taglharpa, sotharpa, langeleik, crwth, goat-horn, lur, bronze lur, flute and moraharpa. The disc also features a small group of eminent traditional singers under the direction of Kirsten Bråten Berg, one of the most important guardians of Norwegian traditional singing. Throughout the eleven songs, Kvitravn talks about Nordic witchcraft, animal spirits, shadows, nature and animism, wisdom and the meanings of certain myths, various Scandinavian spiritual concepts and the relationship between the wise man and the songs.
SAVE THE DATES:
Hvem er Jarle?
Langhåret artist og låtskriver fra Bergen. Har stort sett en akustisk gitar i hendene, men har også blitt observert med banjo.
I hvilken forbindelse er du i Sveits ?
Jeg skal ut på turné i Februar/Mars for å promotere nye låter, og tar turen til Sveits for første gang. Sammen med gitarist Jonas Dyrstad Valberg skal jeg innom Solothurn, Olten, St. Gallen, Bern, og Winterthur.
Kan du fortelle leserne våre om din jobb ?
Jeg står stort sett opp en gang i løpet av formiddagen, drikker en rolig kaffe, så er det enten å jobbe i studio eller å skrive musikk til langt på natt. Jeg jobber også med å lage spillelister til restauranter og utesteder.
Hva provoserer deg?
Unødvendig høye lyder. Vanskelig å unngå når man er musiker og bor i Bergen…
Hva gjør du om ti år?
Forhåpentligvis en bedre betalt, og mer stabil variant av det jeg gjør nå.
Og da må jeg jo gjerne flytte til Sveits for å beskytte min enorme formue, så da passer det bra med en liten rekognoseringstur nå.
Hva opplever du som er den største forskjellen på Sveits og Norge?
Sveits er foreløpig uopplevd for både meg og Jonas, men vi gleder oss veldig til å se hva Sveits har å tilby når vi tar turen dit i Februar. Vi forventer høye fjell, presise klokker, og god sjokolade.
Hvis du kunne endret én ting her i verden – hva ville det vært og hvorfor?
Hvis jeg kunne endret hva som helst i hele verden så ville jeg hatt et studio uten ledninger. Totalt trådløst. Tenk å kunne bevege seg fritt rundt i lokalet uten å hele tiden stumpe i instrument-kabler, og uten en konstant frykt for å ødelegge for enorme summer. Det er drømmen!
Jarle
«Phantasmagoria or A Different Kind of Journey»
So viel Gitarre war lange nicht. Eivind Aarset ist bekannt dafür, sein Instrument bis zur Unkenntlichkeit zu filtern und zu verfremden. Auf «Phantasmagoria or A Different Kind of Journey» lässt der norwegische Avantgarde-Musiker erstmals seit Jahren wieder einen klaren E-Gitarren- Sound durchscheinen.
Aarset ist seit langem einer der wichtigsten skandinavischen Jazz/Avantgarde-Künstler. Schon sein Debütalbum «Electronique Noire» wurde von der New York Times als «eines der besten Electric Jazz- Alben nach Miles Davis» gefeiert. Fast 25 Jahre später nimmt uns der 1961 geborene Musiker auf eine ganz neue «Journey» – eine Reise in das eigene Bewusstsein, die am japanisch-buddhistischen Fluss der Unterwelt, dem Sanzu River, endet.
Die fantastische Reise, die im Titel von Aarsets neuntem Bandleader-Album steht, beginnt mit einem Rauschzustand: «Intoxication» verführt mit träumerischer Ambient-Stimmung und einem hochsommerlich schweren Backbeat, ehe Aarsets Gitarre wie ein Gewitter über den Hörer hereinbricht. Das sich von einer leisen Bossa/Folk-Ballade zu einem Quasi-Krautrock-Tune steigernde «Pearl Hunter» ist ebenso typisch für den unberechenbar abenteuerlustigen Gitarristen Aarset wie das post-punkige „Outbound“, das cineastisch anmutende «Soft Grey Ghosts» oder die spacige Sanftheit von «Light on Sanzu River».
Das herrlich träumerische „Manta Ray“ transportiert den Hörer in tropische Unterwasser-Gefilde – der Song entstand aus einem gemeinsamen Jam des Eivind Aarset 4tet mit Trompeter Arve Henriksen. Das Quartett besteht aus alten Bekannten, mit denen der Gitarrist seit Jahrzehnten arbeitet. Neben Bassist Audun Erlien sind mit Wetle Holte und Erland Dahlen gleich zwei Drummer, die sich obendrein an Metallophon, Vibraphon und Percussion austoben.
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Le Norvégien Eivind Aarset met la guitare dans tous ses états. Connu pour sa maîtrise des effets et des filtres, il transforme son instrument en générateur de sons inouïs. Pourtant, sur «Phantasmagoria or A Different Kind of Journey», son dernier album en date, notre alchimiste avant-gardiste fait aussi entendre, pour la première fois depuis longtemps, une guitare électrique non traitée au son cristallin.
Né en 1961, Aarset est depuis des années l’un des musiciens de jazz contemporain les plus emblématiques de la scène scandinave. C’est ainsi que son premier disque, intitulé «Electronique Noire», avait en son temps été considéré comme «l’un des meilleurs albums d’electric jazz depuis Miles Davis» par le New York Times. Aujourd’hui, presque un quart de siècle plus tard, il nous propose un nouveau voyage au plus profond de notre conscience, un périple qui se termine sur les bords de la rivière Sanzu, que doivent traverser les âmes mortes dans la tradition bouddhiste japonaise.
Ce voyage fantastique, qui donne son titre au neuvième album d’Aarset en tant que leader, débute par un état d’ivresse. «Intoxication» nous plonge en effet dans une atmosphère onirique, structurée par un beat lourd et chaud, jusqu’à ce que la guitare d’Aarset déchire le ciel comme un orage d’été. Les autres titres illustrent eux aussi la soif d’aventure et l’ouverture d’esprit d’Aarset. «Pearl Hunter» métamorphose progressivement une jolie ballade bossa/folk en morceau de krautrock, «Outbound» se distingue par des accents post-punk, «Soft Grey Ghosts» rappelle une musique de film, «Light on Sanzu River» nous immerge dans une douceur interstellaire, tandis que «Manta Ray», un titre qui est né d’une jam session avec le trompettiste Arve Henriksen, nous invite à découvrir les beautés du monde subaquatique tropical.
L’Eivind Aarset 4tet regroupe des musiciens avec lesquels il travaille depuis des décennies. Outre le bassiste Audun Erlien, il compte non pas un, mais deux batteurs de premier plan, à savoir Wetle Holte et Erland Dahlen, qui jouent aussi divers métallophones, vibraphones et instruments de percussion.
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Eivind Aarset – guitar
Audun Erlien – electric bass
Erland Dahlen – drums
Wetle Holte – drums
Le monde a besoin de plus de tolérance, et la collab’ entre Karpe et Quickstyle pourrait bien être l’une des solutions. Le duo norvégien et la troupe de danse rassemblent et mélangent leurs origines pour un résultat prenant, un hip-hop indéfinissable. Du norvégien à l’arabe en passant par le gujarati et l’anglais, les cultures se rencontrent. En live, l’audiovisuel s’en mêle afin de marquer le public un cran plus loin. Omar Sheriff est un hommage à tout ce qui est ; un hymne à l’unité.
Cette année, l’OHGe retrouve Juan Crespillo pour vous narrer les aventures de Peer Gynt avec la musique originale d’Edvard Grieg.
C’est en 1867 que l’auteur norvégien Henrik Ibsen écrit son drame poétique Peer Gynt. En 1874, il formule le souhait de le porter à la scène sous la forme d’une pièce en musique. Impressionné par le talent de Edvard Grieg qu’il a eu l’occasion de côtoyer à Rome quelques années plus tôt, l’écrivain propose alors au compositeur norvégien de mettre en musique son drame. Grieg accepte aussitôt. Ibsen lui fournit quelques indications sur la manière dont il envisage lui-même le matériau musical mais s’en remet entièrement au jugement du compositeur et lui laisse totale liberté quant à la réalisation du projet. Il lui fait parvenir un manuscrit de sa pièce arrangée pour la scène, dont le texte sera tantôt déclamé, tantôt scandé ou chanté.
Grieg avance lentement sur la partition, dont l’écriture s’avère plus difficile que prévu. Il achève malgré tout la partition en juillet 1875, et les répétitions commencent en septembre. Préoccupé par le décès de ses deux parents en l’espace d’un mois seulement, Grieg ne vient pas à Oslo pour superviser les répétitions, ni même pour la première représentation de la pièce le 24 février 1876. L’œuvre est un réel succès et sera donnée 36 fois au cours du printemps de la même année.
Après le succès retentissant de Peer Gynt sur scène, de nombreux arrangements pour piano de la partition voient le jour, destinés à être joués dans les salons. À l’occasion d’une reprise de la pièce à Copenhague en 1886, Grieg revoit certaines parties orchestrales et ajoute quatre nouvelles pièces (Procession de Noces op. 19 n° 2, et trois de ses Danses norvégiennes op. 35). En 1892, alors que Peer Gynt est rejoué pour la première fois à Oslo, le compositeur accepte d’ajouter encore une pièce supplémentaire. Mais surtout, Grieg a l’idée de réunir certains numéros en deux suites : la Suite n° 1 op. 46 (1888) puis la Suite n° 2 op. 55 (1891). Ces suites vont connaître un immense succès dans le monde entier, aussi bien dans leur version orchestrale que dans leur arrangement pour piano (réalisé par Grieg lui-même) ou pour d’autres formations instrumentales diverses et variées.
L’OHGe ne jouera pas l’intégralité de la musique de scène de Peer Gynt, mais de larges extraits qui viendront ponctuer le récit de Juan Crespillo.
Enjoy a phantastic concert with the norwegian musician/composer Christian Wallumrød
Christian Wallumrød has worked as a musician and composer since 1992, and he is considered one of the most prominent and influential musicians of his generation in Norway.
Dates:
Sunday, 14.05.2023 in Bern (PROGR)
Monday, 15.05.2023 in Zurich (MOODS)
Maxim Vengerov, Truls Mørk et Simon Trpceski interprètent Chostakovitch, Prokofiev et Tchaïkovski, un concert à découvrir le 30 mai 2023 au Victoria Hall, Genève.
Après le merveilleux concert avec les Cameristi della Scala et les jeunes musiciens genevois, durant la saison 2021-22, nous avons cherché à élaborer un programme inédit avec Maxim Vengerov.
Ainsi, pour la première fois à Genève, le public pourra l’écouter dans un programme de musique de chambre, en compagnie du grand violoncelliste norvégiens Truls Mørk et du pianiste macédonien Simon Trpceski.
Au programme, un duo piano-violon, un duo piano-violoncelle et un trio piano-violon-violoncelle. Les artistes étudient les options d’œuvres qu’ils aimeraient vous inviter à écouter ensemble. Ils nous ouvriront la porte de leur chambre pour un concert aux teintes intimistes faisant résonner la chaleur de la belle salle du Victoria Hall.
Universellement salué comme l’un des meilleurs musiciens au monde et souvent considéré comme le plus grand violoniste vivant, Maxim Vengerov, lauréat d’un Grammy Award. Parmi les nombreux prix qui lui ont été décernés, il a reçu le prix Crystal du Forum économique mondial (2007) – honorant les artistes qui ont utilisé leur art pour améliorer l’état du monde.
Simon Trpceski a été propulsé sur le devant de la scène internationale par le BBC New Generation Artists en 2001. Depuis, il se produit avec les plus grands orchestres, sur les principales scènes musicales et en compagnie des artistes les plus fameux.
Un des violoncellistes les plus réputés de sa génération, jouant aux côtés des plus grands orchestres et avec les artistes les plus représentatifs de notre époque, Truls Mork est un fervent défenseur de la musique de chambre, c’est-à-dire, de faire de la musique ensemble.
Programme:
Dimitri Chostakovitch, Sonate pour violoncelle et piano ré mineur, op. 40
Serge Prokofiev Sonate pour violon et piano no 1 en fa mineur opus 80
Entracte
Piotr I. Tchaïkovski Trio en la mineur, op. 50
Maxim Vengerov, violon – Truls Mørk, violoncelle – Simon Trpceski, piano
Finale de la grande saison de la série Offbeat
21 juin 2023,
2015
Stadtcasino Basel
“Norwegian Sound”
Jan Garbarek Group feat. Trilok Gurtu Ouverture des portes
PERFORMERS
KINGS OF CONVENIENCE